刚刚参观过“设计上海2020”和“上海国际手造博览会”，今年30岁的独立设计师罗维今天又出现在广州设计周的现场，期间还见缝插针地去了次温州国际时尚文化产业博览会。

  然而奔走在各类展会的罗维却发现，近年各类展会展出的乃至获奖的设计作品，能在市场上推出的并不多，甚至一些企业、机构为征集产品而举办的比赛，获奖作品最终也难觅踪影。

  “文创产品不是简单的设计作品，成本、市场、适用度都一定要考虑。”在不少从事文创开发工作的业内人士看来，文创设计与纯粹的艺术不同：“设计对应的是工业，绝不是一场自顾自的狂欢。”

  像是一个形象的隐喻——“设计上海”与“手造博览会”同期举办，分别位于世博展览馆的楼上楼下。罗维前往参观时，却被告知必须从不同的门进入——从楼上到楼下，还得绕一条漫长的路。

  在设计机构、文化公司、教育培训多个行业转了一圈，30岁的罗维决定辞职“单干”。但去年底接到的一单文创产品研究开发业务，因疫情影响上家无法支持后续生产。罗维决意自己将这批产品做出来：“一开始的设想是小规模生产，就算无法供应市场，也可当作样品提供给今后的合作方。”

  然而联系到制造商后罗维才被告知，不仅产品500套才能打样制作，就连包装盒也要达到基本的“起订量”，“产量越大成本才能被均摊稀释”。罗维反复计算成本，还是决定放弃：“设计师如果自己不存在销售经营渠道，那设计出来的作品根本没办法进入市场。”

  参加各类设计比赛是将设计图纸实体化的途径之一。罗维的朋友张磊在广州一家建筑公司工作，业余仍坚持自己画设计稿。有一次他参加一场以非遗为主题的文创设计比赛，几何造型的竹编灯具进入复赛，由此得到比赛方的资金支持，得以将图纸实体化。

  “比赛主办方的资金支持并不多，只够生产一个样品用来比赛。”即便如此，张磊在制作的步骤中仍感到工匠与设计师要求差距之大：“因为造型复杂，手工制作在很多方面难以达到标准。”最终张磊用两个月的业余时间完成了整件作品的制作。虽然最终获奖，但这款作品因为成本太高无法量产。张磊带着这件作品参加了几次展览，感兴趣的人不少，但听到上万的价格都望而却步。

  “成本过高、缺乏销售经营渠道，这是横亘在设计师和市场之间的两座大山。”罗维近期频繁参加文创类展会，一方面寻找可以代工的厂家，一方面寻找愿意贴牌出品的品牌。在手造博览会上，他看到的更多是和自己一样“单打独斗”的手艺人和设计师，作品卖出一件就少一件；在设计上海展上，大小品牌更关注的是消费方：“品牌一般都有自己的开发团队，有些品牌还可以像快时尚一样，快速‘借鉴’‘拼贴’出新设计。文创产品不像网文、影视作品那么受关注，即使‘被借鉴’，也闹不出什么水花。”

  “很多年轻设计师喜欢跟我谈创作理念，但我会反问，‘你的产品能解决用户什么需求’？”设计上海展览现场，一家家居品牌的现场负责这个的人说，“设计”是提升产品使用感受的关键，“文创”概念的流行说明人们收入增加后对生活质量提升有需求，“但本质上还是追求实用、需要量产的工业品，而不是孤芳自赏但求知音的艺术品。”

  在这位负责人看来，有些设计师错误地将“品质提升”狭义地理解为“好看”。“颜值当然很重要，但只有颜值的产品不是好产品。”据其介绍，该公司研发团队有年轻人曾提出设计一块凹凸不平的桌垫，既是装饰又能隔热。但他看到后提出疑问：高低之间的缝隙清洗是否方便？凹凸部分只能放稳特定大小杯子，大的盘子怎么办？最终这一方案被否定。

  在设计上海展上，来自江苏一家复合家具品牌代理店的负责人陈先生也举了一例：该公司代理的某意大利品牌名师设计的“外星人”榨汁机，造型独特好看，但销量“非常一般”：“用户都说是买回去摆着好看的。因为比起市面上很多榨汁机，这款既不好用效率又低。”

  罗维也坦言，设计师最大的能力是“妥协”：“不光是向市场妥协，还包括向生产方妥协。”他回忆，自己曾为某品牌设计过一款特殊造型的杯子，但表面凹痕厂家没办法精准实现，最终改成了印制图案：“设计师当然不愿意改设计，但工艺达不到就是达不到。不要小看供应链，任何一个环节断掉都会阻碍产品落地。”但在手造展上，他询问过好几件自己认为不错的产品，得到的答复都是“只此一件”：“这是手工艺与设计产品的差异。”

  不少业内人士建议，设计过程应是“反其道而行”：“先聆听市场需求的声音，依据需求核算成本，了解供应方工艺后按能力设计。”

  陈先生表示，国外不少设计类比赛会控制成本，甚至将成本把控本身作为比赛的因素，还将成品直接以限时店等模式进行销售，直面市场。

  然而一些比赛的组织方透露，虽然他们会尽可能多地邀请商家或积极推介，但最终达成合作意向的并不算高。“我们应该参赛的设计师，也需要企业，两边都不敢得罪。”

  曾参与组织此类比赛的唐女士透露，参加文创比赛、展览的大多是设计师、专业院校师生、工艺美术师、手工艺制作者等，各自的心态也很不同。有些人参赛是“图名”：“比如某位在微博上有200多万粉丝的‘设计师’，晒出来的都是设计图，基本上没有成品，参加比赛就是为名。获奖某些特定的程度意味着专业认可，生不生产根本无所谓。但比赛方也希望有这样的‘网红’设计师来带动名气。还有些高校师生，也不在乎作品能不能落地，如果能得奖，即便不能成为晋级、求职的决定性因素，起码也是加分项。”

  “图名”的不止这样的设计师，还有一些企业。“有些企业愿意赞助比赛，可明里暗里开出的条件就是让自己旗下的设计师作品拿奖，有些作品你一看就知道水准在哪儿。”

  “这两年文创概念很火，但对那些坐拥大IP的博物馆、美术馆来说，‘文创’根本不叫‘开发’，该叫‘选品’。”一家小型美术馆的负责人吐槽：作为销售终端，这些机构根本不需要设计师，只要联系厂家贴上自己机构的IP元素即可。“如果是找知名品牌合作，那就是‘联名’，何苦再花钱买设计师的产品版权？倒是我们这样的小型机构，想要开发文创产品缺少IP；请设计师，销量又撑不起成本。”

  因文创商店“出圈”的上海昊美术馆则走了另一条路：美术馆的商店销售的全是已经成名的设计师产品和艺术衍生品，不光美术馆自带店铺，还搞网上拍卖，甚至开出独立商店——他们并不是特别需要通过比赛或合作来开发文创产品。

  在罗维看来，文创产品现有的销售经营渠道大多为文创集合店、旅游景点等“毛细销售终端”，作为产业链条上游的设计师无暇顾及，参加比赛和展览仍然是自我推广最高效的渠道。但他也渐渐体会到，触动消费者必须依靠产品本身：“过去我们大家都认为的文创1.0版是简单地为现成产品贴上文化符号；2.0版本则是设计改造使其更美观实用；但3.0版本的文创产品应该优雅地解决消费者需求‘痛点’。”